Entrevista a Código Bushido: “Estoy seguro que tenemos algo muy bueno que ofrecer”

Hoy nuestro protagonista en Midnight in Berlin es Código Bushido. Este grupo donostiarra  irrumpe en la escena en este 2013 con un single debut -“Cien Flechas“- que suena de maravilla y sirve de aperitivo de su primer disco, trabajo que verá la luz próximamente.  Al frente de esta banda guipuzcoana se encuentra su cantante David García, también de Donostia y con experiencia desde años atrás en el mundo de la música. Su primer grupo lo fundó con un amigo y lo bautizaron “El Último Salto“, con el que lanzaron un álbum muy aplaudido por la crítica. Así llegó el año 2009, clave para David puesto que inició su andadura en solitario y además participó en el concurso “La Batalla de los Coros” de Cuatro, experiencia que sin duda le cambiaría la vida y le llevó a conocer y trabajar con el gran Mikel Erentxun, con el que mantiene una gran amistad y  junto al que canta en un tema del disco, aparte de coproducirlo.

Cien flechas codigo bushido

Por lo que hemos podido escuchar en el single, Código Bushido es un grupo que promete. ¿Cómo definirías su sonido y lo que vamos a oír en este primer álbum?

Gracias por el comentario “grupo que promete”… ¡Así lo intentaremos desde luego! Respecto a la pregunta, decir que estoy muy satisfecho porque hemos conseguido un sonido muy personal. Desde el principio tuve muy claro el “camino” y así se lo transmití a los productores (Mikel Erentxun y Rubén Caballero) y a la banda fantástica que me ha acompañado durante la grabación. Aunque quizá suene un poco prepotente, me atrevería a decir que a pesar de tener sus influencias, este trabajo no se parece a nada.  Buenas melodías, guitarras elegantes y una voz con personalidad. Hacer algo nuevo en los tiempos que corren y con lo saturado que está todo creo que es un punto a favor y que va a gustar a la gente. Estoy seguro que tenemos algo muy bueno que ofrecer.

Tengo entendido que “Cien Flechas” es un disco cargado de letras optimistas y describe un afán de superación admirable por tu parte para poder dedicarte a la música, ¿Crees que luchar por lo que quieres da siempre resultados? ¿Qué consejo darías desde aquí a los jóvenes que quieren dedicarse a la música?

‘Cien flechas’ hace referencia a Cien “problemas, obstáculos, ataduras, impedimentos”. Son las cosas que vienen en el “paquete” de la vida. Intento enfrentarme a este tipo de cosas y practico el  “luchar por lo que quieres”. Para mi es una obligación y si además lo consigues, te da la felicidad más grande del mundo. Sólo hay un secreto, una palabra: perseverancia. Las personas tienen la capacidad de conseguir todo lo que se proponen, pero hay que trabajar y hacer las cosas con amor y con calma. Con estos ingredientes el resultado en mayor o menor medida siempre es positivo y se obtiene lo que uno va buscando. Todavía no tengo los años suficientes como para dar consejos, pero sí me parece importante que los jóvenes no dejen de invertir tiempo en sus proyectos musicales. Hay que tener muy claro el camino, las tareas a realizar, los tiempos y buscar a las personas adecuadas. Ahora mismo tenemos la plataforma de Internet. Las grandes compañías pierden poder. Ya no son los amos y señores. La música llega a las personas de una forma más rápida y fácil que nunca. ¡¡Aprovechemos esta oportunidad!!

Supongo que la colaboración con Mikel Erentxun es la guinda que le faltaba al disco, ¿Cómo surgió la idea de colaborar? Por lo que tengo entendido sois muy buenos amigos…

Pues sí. Cómo bien dices, es la guinda de este pastel. Todo un honor la verdad. Tuve la oportunidad de conocer a Mikel en un programa de televisión y desde el principio nos entendimos muy bien. En general tenemos gustos e ideas muy parecidas y somos muy amigos, estoy aprendiendo mucho y es un diez como persona. Respecto al disco, primero elaboramos una maqueta en su home studio “La Fábrica” (San Sebastián), y a raíz de ahí salieron otras dos ideas. En el disco hay una versión rock de “Palabras Sin Nombre” (Duncan Dhu) y un tema a dúo entre Mikel y yo  titulado “Escrito A Fuego”. Tengo muchas ganas de compartirlo con todos vosotros.

David, ¿Qué nos puedes contar acerca de tu experiencia televisiva? No todo el mundo puede presumir de haber participado en un concurso/reality.

La aventura estuvo bien. En la vida hay que experimentar. ¿Para eso estamos no? Viví durante algo más de un mes este concurso rodeado de gente muy simpática y aunque anteriormente había colaborado en algún otro programa, en este caso, descubrí las profundidades del mundo de la TV.  El resultado fue una bonita experiencia, unos cuantos amigos, y lo resumiré con una frase: “Nada es lo que parece”.

codigo bushido david garcia

Foto: Hugo Mañez

San Sebastián es una ciudad que ha visto nacer a infinidad de artistas estos últimos años. Muchos de ellos como Mikel ya están consagrados y siempre se ha hablado de un ‘Sonido Donosti’ en la escena musical donostiarra. ¿Qué nos puedes contar acerca de eso?

Pues me alegra decir que efectivamente hay mucha y buena cultura musical en Donostia y alrededores. Supongo que el entorno, el mar, y vivir en la capital de la provincia más pequeña de España (alejada de la velocidad de las grandes urbes) dan como resultado la inspiración y la aparición de estos grupos.

¿Qué bandas inspiran a Código Bushido? ¿Cuáles son vuestras influencias más fuertes?

Tengo una hermana mayor, y cuando era pequeño escuchaba los mixes que se grababa en cintas de la música que ponían en la radio. He escuchado en general música en Español (80´s y 90´s) y por supuesto a los grandes de toda la vida como Beatles, Elvis Presley o más actuales como Cold Play, U2… En mi playlist actual tengo a Amaral, James Blunt, Nek, Morrissey, Erentxun, Bunbury, Taxi (antiguo Melon Diesel) … Supongo que es muy variopinta la lista pero ahí están las influencias.

En febrero presentáis el disco en Donosti, ¿Qué día y dónde será? Cuéntanos algo más de vuestros planes para este recién inaugurado 2013.

Recientemente hemos llegado a un acuerdo con una empresa de marketing que ha modificado un poquito nuestros planes y todavía no podemos dar fechas exactas, pero probablemente sea en febrero sí. Iremos colgando todo en nuestra nueva web www.codigobushido.es (la estrenamos la segunda semana de enero) y por supuesto en Facebook (www.facebook.com/cbushido).

Hay una duda que seguro asalta en estos momentos a muchos incluido un servidor, ¿Qué significa Código Bushido?

Código Bushido es un código ético/guía moral  estricto y particular al que muchos samuráis entregaban sus vidas. Ha llegado a ser conocido como el “Código Samurai”, pero es más que eso. No es simplemente una lista de reglas a las cuales un guerrero se debe apegar a cambio de su título, sino un conjunto de principios que preparan a un hombre o a una mujer para pelear en la vida sin perder el contacto con los valores básicos. Es una descripción de una forma de vida y una prescripción para ser un guerrero-persona  noble. Honradez, Justicia, Valor, Compasión, Cortesía, Honor, Sinceridad y Lealtad son las claves. Me siento muy identificado con estas palabras y corren tiempos en los que escasean este tipo de valores. Me he “adueñado” de este código para mediante la música poder transmitirlo a las personas y hacer disfrutar a la vez que envías un bonito mensaje.

Ya para terminar, háblanos un poco de los sueños de Código Bushido. ¿Con qué grupo os gustaría compartir escenario? ¿Dónde os gustaría tocar?

El sueño de Código Bushido es un proyecto de largo recorrido. En la esquina inferior derecha tanto del disco cómo del single (que ya se puede escuchar en todas las plataformas musicales) aparece el simbolo “GI” correspondiente al primero de los valores del Código Bushido. La idea es sacar un disco por cada uno de estos. Un sueño para compartir nuestra música y hacer disfrutar a toda la gente posible, ¿nada ambicioso no? 🙂 Compartir escenario con Amaral o  Enrique Bunbury sería un sueño. El lugar no nos importa. Todos valen. Cada uno tiene su magia.

codigo bushido cien flechas

Foto: Hugo Mañez

Como ya ha dicho David, “Cien Flechas” saldrá a la luz en febrero y el single ya se puede adquirir y escuchar en la mayoría de plataformas: iTunes, Google Play (Android), Spotify, Deezer, etc. Además, todas las novedades las podremos seguir a través de la página web oficial de la banda y desde sus perfiles en Facebook y Twitter. Desde aquí deseamos a Código Bushido toda la suerte del mundo en esta aventura que acaba de comenzar.

Por Ignacio Aranburu (@iaranburu10)

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El paseo por el alambre de Billie Joe Armstrong

Hace un par de meses conocíamos una de las noticias más esperadas: la mítica banda punk-rock Green Day tocará en el Bilbao BBK Live en julio de 2013. Es una de las confirmaciones festivaleras más sonadas, todo concierto del grupo californiano es una fiesta musical para los asistentes, temas clásicos y pegadizos que son cantados al unísono por miles de personas. Aunque una gran duda nos asalta ahora mismo en torno a la banda, y más concretamente a Billie Joe Armstrong, su carismático líder y vocalista cuyo delicado estado de salud preocupa a compañeros, representantes, discográfica y fans del grupo, que no son pocos en todo el planeta. Todo explotó en el iHeart Festival de Las Vegas en septiembre. Mientras tocaban “Basket Case”, Billie Joe fue avisado de que sólo les quedaba un minuto de actuación y tenían que dar paso de manera inminente al siguiente artista, Usher. Billie paró de tocar y gritó al público cabreado: Yo no soy Justin Bieber, estoy aquí desde 1988, déjenme enseñarles que puedo hacer en un minuto. Todo tipo de insultos y juramentos salieron de su boca y acto seguido perdió el control y reventó su guitarra, a lo que Mike Dirnt le acompañó destrozando su bajo. Una imagen ciertamente lamentable que ya hemos podido ver en ocasiones en otras bandas, pero no por ello deja de ser una actitud bochornosa y una falta de respeto hacia sus seguidores.

Todo este desafortunado episodio fue la gota que colmó el vaso y Billie Joe Armstrong ingresó automáticamente en una clínica de rehabilitación, quedando apartado de los escenarios y la vida pública. No es la primera vez que el frontman de Green Day tiene problemas con las drogas, ya tuvo que desintoxicarse hace años y esta vez ha vuelto a caer en el peor momento, en plena promoción de su nueva trilogía de discos y dejando una gira pendiente para el año que viene que depende completamente de la evolución del controvertido cantante. El grupo pidió disculpas y prometió que los médicos harían todo lo posible para verle de vuelta cuanto antes.

Billie Joe Armstrong Green Day

El grupo de Oakland es, junto a Depeche Mode y Kings of Leon, la principal baza de la próxima edición del festival bilbaíno. A Green Day la fama le precede, estamos hablando de un icono musical de los últimos 20 años. Ellos capitanearon la segunda ola punk más importante -la que se dio en los años 80 y 90- junto a bandas míticas también californianas como Offspring, Blink 182 o NOFX. Todos ellos se atrevieron a adaptar el clásico punk setentero a tiempos más modernos pero bajo el mismo dogma de utilizar canciones cortas, estribillos pegadizos y un sonido muy guitarrero. En el caso de Green Day, su música es comparable a la de otros grupos bandera del movimiento -Ramones, Sex Pistols, The Clash o Buzzcocks- y presenta claras influencias de  The Beatles, Bob Dylan y Queen. Además, una de sus inspiraciones más fuertes es Bad Religion, iconos y casi precursores del punk rock.

Siempre ha habido diferencias a la hora de calificar y etiquetar a una banda como Green Day, acusada más de una vez de ser demasiado comercial y echar al traste los principios del punk. En mi opinión es una vara muy difícil de medir, la música cambió mucho en 20 años y la aparición de medios masivos como la MTV propició que este tipo de bandas llegaran a una cantidad de gente mucho mayor. Billie Joe Armstrong siempre ha sido un activista muy influyente, vivía y vive preocupado por la realidad social y política de nuestros días y desde el principio ha utilizado siempre letras reivindicativas para transmitir su lenguaje. El alto nivel de protesta destacaba por encima de todo y sus temas se convirtieron en una crítica generalizada a los valores y la sociedad del siglo XX.

Tras dos primeros discos de gran calidad y firmados por un sello independiente, el éxito mundial lo obtuvieron  con “Dookie”, tercer álbum de los californianos y un clásico de los años 90, gracias al cual obtuvieron un Grammy. Es el trabajo más vendido de Green Day hasta la fecha con la friolera de 16 millones de copias en todo el mundo y sus tres singles -“Longview”, “Basket Case”, y “When I Come Around”- se convirtieron en himnos intergeneracionales. En 1994, Green Day irrumpió de lleno en el mainstream y comenzó a girar por grandes festivales. Quizá una de sus mayores anécdotas ocurrió en Woodstock, dónde el grupo provocó una increíble guerra de barro y tuvo que huir en helicóptero. La banda también era invitada a conciertos benéficos, y en una ocasión en el Madison Square Garden Billie Joe apareció en el escenario desnudo y cubriéndose tan sólo con una guitarra. Siempre ha sido un personaje peculiar y problemático y en algunos conciertos le ha faltado tiempo para lanzarse al público y liarse a puñetazos con los asistentes.

Después de unos años de descanso y éxito más moderado, en 1997 publicaron “Nimrod”, uno de sus mejores trabajos aunque menos popular que esa obra maestra del punk moderno llamada ‘Dookie’. Era un giro conceptual a su carrera, experimentaron con un sonido más maduro pero la recepción no fue la esperada por crítica y público, a pesar de tratarse de un gran disco. Uno de los temas más conocidos de este álbum es “Good Riddance (Time of Your Life)”, una balada acústica que fusiona las duras guitarras y los redobles de batería con arreglos orquestales y violines. Al año siguiente llegó el melancólico ‘Warning’, otro intento de volver a la cima pero que supuso un fracaso rotundo con el tiempo. Es el álbum menos vendido de la banda y un claro estancamiento en su carrera, a pesar de que seguían obteniendo reconocimientos y galardones.

Ya en 2003, después de un periodo de reflexión, discusiones e incluso el robo de unos temas que acababan de grabar, volvieron a la primera línea musical con “American Idiot”, una sátira demoledora que sacude el sistema norteamericano con furia, empezando por el propio título del álbum. Esta ópera punk -así lo llamaba Billie Joe- tenía un claro mensaje antibélico y criticaba con dureza a los gobernantes y al presidente norteamericano por aquel entonces, George W. Bush. Aquella fue la reactivación del grupo tras un descanso necesario para replantearse su música y lo cierto es que consiguieron su objetivo, la crítica les encumbró de nuevo y sus temas volvieron a brillar con luz propia en el panorama musical de principios de siglo. Nuevamente cosecharon infinidad de premios y Green Day se tomó otro descanso, esta vez de varios años.

En 2009 llegó “21st Century Breakdown”, otra ópera punk menos exitosa que su predecesora pero con un mensaje igualmente claro y rotundo. Esta vez hablan de los problemas personales, religiosos e incluso del desvanecimiento del sueño americano. Tanto  “21st Century Breakdown” como “American Idiot” cosecharon un Grammy a mejor álbum de rock y este último incluso gestó un musical. Ahora, en este otoño que acaba de terminar, han vuelto para volver a golpear al mundo con su música. La trilogía “¡Uno!, ¡Dos!, ¡Tré!” es descrita por el propio Armstrong como una fiesta que iremos conociendo poco a poco. La tercera parte estaba prevista que viera la luz en enero, pero debido a la cancelación de parte de la gira los fans hemos sido compensados y ya se puede escuchar la trilogía al completo. Esta saga lleva de la mano un documental, “Quatro”, que se estrenará pronto.

Green day

Green Day se ha ido reinventando con los años con más o menos éxito, y aunque ha llegado a ser calificada de banda pop comercial ha querido mantener su esencia punk, que podrá gustar o no, pero es palpable. Realmente, puede que ni siquiera el punk rock siga siendo un género musical activo, las infinitas variantes de su sonido han dejado al descubierto grupos y tendencias difíciles de clasificar. A estas alturas, sólo falta por saber que ocurrirá con el flamante líder de la banda californiana, si se rehabilitará y si volverá a cantar, y por supuesto cuando será. Se hablaba de enero como fecha para volver a los escenarios y continuar la gira, pero todo dependerá de su evolución. La incertidumbre que rodea al cantante es otro capítulo más en la historia de un grupo que siempre ha dado que hablar, sobre todo con sus temas. Ya lo decía el propio Billie Joe Armstrong: la música puede cambiar a la gente.

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Live Lounge, el rincón acústico de la BBC

The Live Lounge es un espacio del primer canal de la radio nacional británica dedicado a conciertos acústicos. En estas sesiones, los grupos exponen unos pocos temas de su repertorio y en una gran mayoría de los casos versionan temas de otras bandas.

Estos covers suelen diferir bastante de los originales, y de este modo ofrecen una perspectiva diferente que poco o nada tiene que ver con sus propios temas. Pero, de vez en cuando, entre tanta versión podemos encontrar auténticas obras de arte.

Por estos estudios británicos han pasado bandas de la talla de Muse, Coldplay, REM, Florence + The Machine o artistas como Adele, Paolo Nutini o Jack Johnson. En esta ocasión, dejaremos a un lado sus temas más conocidos y nos centraremos en esas pequeñas joyas que BBC Live Lounge ha ido dejando a lo largo de estos últimos años.

Coldplay – We Found Love (Rihanna)

Precisamente, hace unos meses la banda británica interpretó a duo junto a Rihanna “Princess of China”, uno de los temas de su último álbum. Pero fue en su visita de octubre del pasado año cuando decidieron versionar uno de los temas más bailables (y bailados) de la de Barbados. Lo cierto, es que poco o nada queda de la canción original en esta versión.

Ben Howard – Call Me Maybe (Carly Rae Jepsen)

A más de uno le costará reconocer el tema original en este caso, y es que Ben Howard tira de talento y guitarra para hacer una versión muy personal de “Call Me Maybe”, uno de los temas más radiados en las radiofórmulas en este 2012. ¿Qué hace un artísta como él con un tema como éste? Ni más ni menos que esta maravilla.

Lady Gaga – Viva la Vida (Coldplay)

Segunda vez que Coldplay aparece en este post, pero esta vez son ellos los que han sido versionados, concretamente “Viva la Vida”. Ni más ni menos que la mismísima Lady Gaga fue quién se sentó al piano para tocar los acordes de uno de los temas (o himno, incluso) de la banda liderada por Chris Martin.

The Noisettes – When You Where Young  (The Killers)

Esta banda inglesa es una de las sensaciones en la escena indie de los últimos años. Capitaneada por la vocalista y bajista Shingai Shoniwa, aprovecharon su espacio en el estudio de la Radio 1 para interpretar un magnífico cover del clásico tema de The Killers. Otro punto de vista que duda cabe, pero que merece muchísimo la pena.

Florence + The Machine – Take Care (Drake feat. Rihanna)

El talento de Florence Welch es suficiente para que esta versión supere con creces al original, interpretado por Drake. Este tema es el más mágico de todos los que se han interpretado en estos estudios, y es que la artista británica es posiblemente la mejor voz femenina de Inglaterra y una de las mejores del mundo en la actualidad.

Snow Patrol –  Ray of light (Madonna)

La banda escocesa fue invitada al Live Lounge para celebrar el 75 aniversario de los míticos estudios Maida Vale de Londres. Aunque por lo general los grupos sólo interpretan un par de temas o tres, en esta ocasión Snow Patrol tuvo la suerte de tocar hasta cinco, incluyendo versiones de  Madonna, INXS y The Undertones.

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El Bilbao BBK Live 2013 toma forma

La banda británica Depeche Mode fue la primera en ser confirmada para una edición más del Bilbao BBK Live 2013, que como siempre se llevará a cabo en las campas de Kobetamendi entre el 11 y el 13 de julio. El enorme éxito cosechado en la edición de 2009 es una de las principales razones por las que Depeche Mode ha decidido volver a la capital vizcaína. El propio Andrew Fletcher -tercer miembro de la banda- ha reconocido que quedaron prendados de Bilbao y su vanguardista museo Guggenheim y no dudaron ni un momento en volver a desplegar su sonido en Kobetamendi.  La banda británica ofrecerá en exclusiva su directo en la jornada inaugural del festival y un día antes de la confirmación oficial ya se conocían las fechas de la gira, por lo que su comparecencia de nuevo en Bilbao estaba cantada.

Cartel BBK Live 2013

La formación electrónica liderada por Dave Gahan encabeza así un cartel al que pronto se incorporó otros grupo planetario, Green Day. Se confirmó el concierto del que se llevaba hablando un tiempo, y así va a ser a pesar del lamentable estado de salud actual de su carismático líder, Billie Joe Armstrong. Después de un ataque de ira y de dejar de tocar en mitad de un show en septiembre, el mánager y los médicos del grupo aconsejaron cancelar la gira hasta principios de año para que Armstrong pudiera recuperarse plenamente. Esta histórica banda nos dejó álbumes para el recuerdo y acercó el punk de los 70 a las generaciones más jóvenes.

El tercer cabeza de cartel serán los archipremiados Kings of Leon. La banda de Nashville ha roto todos los registros en los últimos tiempos, sobre todo a raíz de publicar su cuarto álbum, “Only by the Night”, que les reportó el disco de platino en doce países y tres Premios Grammy. En principio los hermanos Followill y su primo iban para predicadores evangelistas como su padre, pero pronto dejaron la Biblia para dedicarse a la música. Claramente ganamos todos con el cambio. No faltará tampoco en este BBK Live la revelación actual y uno de los grupos más aplaudidos en los festivales del último año, los norirlandeses Two Door Cinema Club, que prometen una fiesta musical incomparable y si siguen así en un futuro no muy lejano pueden llenar estadios. A todos ellos les acompañarán los también irlandeses Delorentos y el post punk de la banda de Birmingham Editors, aunque estos últimos se han labrado un estilo y un sonido propio y característico.

Pero no sólo de música internacional se nutre este importante festival, ya que también contará con bandas del panorama nacional. L.A., tras telonear hace dos veranos a Arcade Fire en la explanada del Guggenheim, regresa a la capital bilbaína con “Slnt flm”, su nuevo material.  La banda mallorquina, sin parar de girar tanto en Europa como en America, se postula como una de las bandas revelación de la próxima edición del Bilbao BBK Live. Pero, además, la cita bilbaína contará con algunas de las bandas de la tierra más conocidas fuera de nuestras fronteras como Delorean y We Are Standard. Ambas bandas aprovecharán para presentar en directo los temas de sus nuevos trabajo, previstos ambos para el próximo año. Dos buenos ocasiones para ver si ambos grupos mantienen el nivel de sus exitosos anteriores trabajos.

Como cada año, el Optimus Alive portugués ha sido el festival que ha marcado el camino de las confirmaciones para el BBK Live. Casi siempre suelen contar con carteles similares y ver las bandas confirmadas en uno y otro nos da pistas para saber por dónde van a ir los tiros en lo que a música en directo se refiere en el circuito festivalero del año que viene. La relevancia de ambos es clara, estamos hablando de posiblemente los dos mejores festivales del sur de Europa, consolidándose año a año y sólo ensombrecidos por el siempre extraordinario Primavera Sound y un FIB en aparente decadencia. Así pues, esta edición del Bilbao BBK Live está redondeando un magnífico cartel con bandas de talla y prestigio y estamos seguros que nuevamente va a ser un éxito. Faltan muchos meses aún, pero son estas noticias y ese constante run run festivalero lo que nos hace la espera más amena.

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Las mejores cabeceras de series míticas (II)

Hoy en Midnight in Berlin, es momento de seguir recordando algunas de las mejores y más míticas series de la historia de la televisión, o simplemente, las que más hondo nos han calado a nosotros. Continuaremos reviviendo cabeceras legendarias que se quedaron para siempre en el imaginario colectivo de todos nosotros.

Pacific Blue

Pacific Blue, o como patrullar por Santa Monica subidos sobre una bici. En la serie hay crímenes, asesinatos y secuestros, pero también patinadores a todas horas, cuerpos de museo y por supuesto unos policías que tienen pinta de todo menos de polis en bici. Pese a todo la serie la veíamos día tras día.

El Príncipe de Bel Air

Will Smith es tan grande que hasta se encarnó a sí mismo en la serie que le dio fama mundial y lo convirtió en la estrella que es ahora. La intro es una de nuestras favoritas y el propio Will hasta se permite el lujo de rapear en ella. Míticos también Carlton Banks, su tío Phil o Jazz, el inseparable amigo de Will.

La tribu de los Brady 

Estrenada en 1969, la fórmula de esta sitcom de carácter familiar ha sido repetida hasta la saciedad a lo largo de los años. Ataviados con sus looks setenteros, su cabecera ha sido, sin duda, una de las más parodiadas de la historia.

Sensación de Vivir 90210

Brenda, Kelly, Luke, Brandon… ¿Quién no quiso alguna vez formar parte del grupo de amigos más famoso y rico de Beverly Hills? Aunque sus tramas fueran totalmente surrealistas, marcó época y muchas fueron las series del estilo que aparecieron después. Precisamente, Sensación de vivir ha sido una de esas series que han servido para hacer un remake en los últimos tiempos, aunque los protagonistas de la actual “90210” poco o nada tienen que ver con los protagonistas iniciales.

El Equipo A

Cuatro de los mejores hombres del ejército estadounidense fueron encarcelados por un delito que no cometieron… Mítica como la que más la cabecera de El Equipo A, con esa pegadiza melodía que traspasó fronteras y hoy en día se utiliza en todo tipo de eventos y situaciones. Es una de las series ochenteras por excelencia, donde no faltaban mamporros, explosiones y coches voladores.


Los problemas crecen

Serie histórica que contaba las aventuras de la familia Seaver, cuya música de cabecera interpretó Daniel Bedingfield y con una intro que causó tendencia, fotos cronológicas de los protagonistas de la serie. Era divertido ver a los personajes con chupete y empezando a gatear,  de adolescentes o en plena madurez.

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Las mejores cabeceras de series míticas (I)

Todos hemos visto infinidad de series a lo largo de nuestra vida, con ellas hemos crecido y muchas de ellas nos han ido enganchando durante años. Al igual que hicimos con las mejores cabeceras de series actuales, ahora en Midnight in Berlin nos adentramos en las décadas de los 80 y 90, años sin Internet, cuando para ver una serie era requisito necesario sentarse delante de la televisión e incluso pelear por el mando a distancia. Seguro que os vienen muchas a la cabeza, de acción, suspense, comedias o incluso alguna de dibujos animados. Estas son algunas de las más míticas y de las que mejor recuerdo guardamos ahora, series de siempre que  es bonito recordar viendo sus cabeceras.

Los Vigilantes de la Playa

Quién iba a imaginar a principios de los 90 que esta serie sobre el día a día de un grupo de socorristas iba a ser la más vista de todos los tiempos. David Hasselhoff comandaba el equipo de vigilancia de la playa de Santa Mónica (California), que además de ocuparse de los problemas propios de las playas también tuvieron que lidiar con terremotos, tiburones y asesinos en serie.

Friends

Mítica esta serie y mítica su pegadiza y animada cabecera del grupo The Rembrandts. Rachel, Ross, Phoebe, Joey, Monica y Chandler protagonizan una comedia sublime, con algún momento más dramático pero desternillante al fin y al cabo. La serie está ambientada en Manhattan y consta de diez temporadas.

Los Simpsons

Aquellos maltrechos personajes que pintó Matt Groening en unos bocetos hace más de 20 años se han convertido ahora en el icono de toda una generación. La familia Simpson es posiblemente la mejor sátira de la historia, reflejada en una sociedad amarilla que vive en una pequeña ciudad en la que ocurre de todo.

Salvados por la campana

Zack Morris y sus travesuras centraban el argumento de esta serie adolescente que no tenía mucha más historia que el día a día en un instituto californiano pero de un modo cómico y en ocasiones incluso absurdo. ¿Quién no recuerda a Screech Powers?

Punky Brewster

Aquella dicharachera y revoltosa niña que vivía en Chicago con su padre adoptivo nos acompañó durante años. Era célebre su perro Brandon, al igual que la casa del árbol a la que se escapaba de vez en cuando.

Cosas de casa

Esta comedia de situación iba a ser en un principio una serie familiar con contenido moral, pero con la aparición de Steve Urkel todo giró y se empezaron a ver historias surrealistas y de ciencia ficción. Fue un éxitazo televisivo y una serie que seguro todos hemos visto alguna vez.

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Las canciones de James Bond

Recientemente hemos conocido el tema principal de la nueva película del agente 007, Skyfall, compuesta e interpretada por Adele y que cuenta con ese estilo musical característico que acompaña a todas las películas de James Bond. Desde que en 1962 se estrenara El agente 007 contra el Dr. No, seis han sido los actores que han encarnado al agente secreto, y muchos más los artistas que colaboraron poniendo voz y música a las aventuras del personaje creado por Ian Fleming.

La premiada cantautora británica Adele se suma a una larga lista de cantantes encabezada por gente tan ilustre como Paul McCartney, Nancy Sinatra, Tom Jones, Duran Duran, Tina Turner, Garbage, Madonna, Chris Cornell o Jack White. En Midnight in Berlin recordamos en clave musical estos 50 años de películas sobre el agente 007. Estas son nuestras diez favoritas.

Adele – Skyfall (2012)

La última en ponerse al servicio del 007 ha sido la mismísima Adele. Compuesta mano a mano junto a Paul Epworth, co-autor de Rolling in the deep, Skyfall es, sin duda, un broche de oro a la última cinta protagonizada por James Bond.

Jack White & Alicia Keys – Another Way To Die (2008)

Jack White, quien fuera mitad de The White Stripes, y Alicia Keys fueron los responsables de Another way to die, tema central de Quantum of Solace. Quizás una de las canciones menos conocidas de la saga, pero, sin duda, una de nuestras favoritas.

Chris Cornell – You Know My Name (2006)

El líder de Soundgarden interpreta la canción de Casino Royale, primera película con el James Bond más reciente, Daniel Craig. Este tema apareció en el segundo disco de Cornell y fue nominado a un premio Grammy.

Garbage – The World is not Enough (1999)

La banda estadounidense/escocesa Garbage fue la encargada de firmar el tema homónimo de la película El mundo nunca es suficiente, título número 15 de la saga y que protagonizan Sophie Marceau, Robert Carlyle y Denise Richards, aparte de por supuesto Pierce Brosnan encarnando al agente 007.

Madonna – Die Another Day (2002)

Este es uno de los temas más exitosos y con más impacto comercial de la historia de James Bond y lo cierto es que suena bastante diferente al resto de canciones de la saga, ya que cuenta con un ritmo muy rápido y una electrónica que ya abundaba en los discos de Madonna por aquella época.

Tina Turner – Goldeneye (1995)

Como en las cintas anteriores, nuevamente se recurría a un cantante de renombre para interpretar el tema principal. En esta ocasión fue Tina Turner quien puso la voz a la canción compuesta por Bono y The Edge (U2).  Goldeneye es una de las películas más brillantes de las protagonizadas por Pierce Brosnan.

Duran Duran – A View To a Kill (1985)

Esta famosa banda británica coló este tema en lo más alto del Top 20 estadounidense y en segundo lugar en la lista británica en 1985, un hito que no ha conseguido ninguna otra canción de la saga de Bond y que a la postre se convertiría en uno de los temas estrella de Duran Duran.

Tom Jones – Thunderball (1965)

En esta ocasión fue Sean Connery quien encarnó al famoso agente secreto británico y Tom Jones el encargado de poner voz al tema compuesto por John Barry para el cuarto largometraje de la saga, Operación Trueno. 

Nancy Sinatra – You Only Live Twice (1967)

Precisamente John Barry fue también el compositor de este tema dos años después que Thunderball, en 1967. Para ello, echó mano de un estilo cercano a la música japonesa, ya que la película estaba ambientada en el país asiático, evocando de este modo los paisajes y escenarios que allí se veían.

Paul McCartney & Wings – Live & Let Die (1973)

Paul y Linda McCartney escribieron esta canción con su nueva banda, Wings, tres años después de la separación de The Beatles. Como casi siempre, el tema lleva el mismo nombre que la película, requisito fundamental durante todos estos años de aventuras del agente 007.

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Marta Romero de Xamoralarte: “Pretendemos ser un punto de enlace, un apoyo para los artistas y un soplo de aire fresco”

Marta Romero es el 50% de Xamoralarte. La otra mitad del proyecto vitoriano es su hermana María. Ambas apasionadas del mundo del arte, ambas jóvenes emprendedoras con ganas aportar a la capital alavesa un soplo de aire fresco. Una nueva iniciativa cultural que ha nacido, además, para servir de apoyo a otros artístas valiéndose del boca a boca y de un elemento esencial para un proyecto como éste: las redes sociales. Recordad este nombre: Xamoralarte. No será la última vez que lo escuchéis.

¿En qué momento os decidisteis a dar el paso y crear “Xamoralarte”?

Básicamente nace de nuestra propia necesidad de hacer lo que nos gusta y de ser artistas también. Mi hermana María y yo habíamos hecho exposiciones, pero me di cuenta de que se me daba mejor montar las exposiciones de los demás que las mías propias… además, uno de los locales, el Candela me dejaba hacer prácticamente lo que me daba la gana, y ahí empezó todo…Le monté una exposición de bandejas y botellas de cristal a mi madre, otra a mi hermana de zapatillas pintadas, otras dos a una amiga fotógrafa… El paso vino solo, éramos ya artistas cooperando y ayudando a otros artistas, simplemente quisimos poner nombre a todo ello.

¿Cómo definiríais “Xamoralarte” en pocas palabras?

Xamoralarte es una filosofía que propone afianzar una relación social entre locales abiertos al público y el arte. Pretendemos ser un punto de enlace, un apoyo para los artistas y un soplo de aire fresco para estos lugares. El artista puede dedicar su tiempo a crear mientras otro le promociona y los dueños de los locales ven cómo este tipo de eventos atrae a la gente…además, nos lo pasamos muy bien.

Marta Romero, Xamoralarte

¿Qué tipo de artistas tienen cabida en una iniciativa así?

Hay mucho arte, “ROJO” es la prueba de ello, veintiséis artistas participando, y la mayoría de ellos han sentido el interés, nadie les ha convencido. Algunos quieren vender, otros no. Simplemente pedimos a aquellos que quieran ser partícipes la implicación que sea necesaria para que marche bien el proyecto.

 Supongo que muchos de vuestros contactos con artistas serán a raíz del boca a boca…

Por supuesto,  pero también las redes sociales han tenido vital importancia, han sido nuestro nexo con todos ellos, nuestro medio publicitario y otra forma de atraer artistas a participar en esta iniciativa.

En la mayor parte de vuestras presentaciones, un Dj ameniza la velada. ¿Qué importancia tiene la música en este tipo de muestras?

Mucha, queremos que la gente relacione los eventos que realizamos con cada exposición con una noche de sábado o una tarde de domingo diferente y especial. Es una forma como muchas otras de ofrecer al público, a los artistas y al local un día especial y conmemorativo que afiance esta relación.

Marta Romero, Xamoralarte

 “Rojo” es vuestro proyecto más próximo, ¿qué podremos encontrarnos?

Básicamente son veintiséis diferentes visiones de un color. Es poder apreciar cómo las ideas y la imaginación pueden partir inicialmente de la misma idea, en este caso, un color, y posteriormente coger forma física habiendo pasado el filtro que es cada artista. Qué diferentes son las obras entre sí, qué distintas sensaciones provocan… Además, proponemos unos cuantos eventos en los locales que se han prestado al proyecto, queremos animar a todo el mundo. El día 6 de octubre realizamos en el Candela la primera parada. El bar se decoró, hubo fotocol, una performance de Mary Zurbano Gauna, que también participa en la exposición y pinchó otra artista, Miss SanSan que es la fotógrafa Sandra Santos, y que también pinchará en la segunda parada en el Baobab el día 20. Ese día también nos acompañará “Mursego”, la increíble chelista y más, Maite Arroitajauregui, que sin rechistar se ha animado a participar en el evento. Y por supuesto el día 27 habrá una tercera parada en el Abisinia., donde además el domingo 14 por la tarde Norabaty Josune nos deleitará con una ging-tonic water session del Pop Up Art Ilustrationxy: “El Reino de ROJO” te invita a un gin-tonic mientras realiza un análisis de su obra, que se expone allí.

Lleváis unos cuantos eventos organizados, ¿cómo valoráis la respuesta del público hasta el momento?

Es increíble cómo la gente se anima a este tipo de iniciativas. Por ejemplo, al principio, en los eventos, nos juntábamos sobre todo artistas, amigos y familiares, pero en los últimos se ha animado mucha más gente fuera de este círculo.  Además los locales, que son los que al final albergan todo, nos han comentado que la respuesta ha sido positiva, se oyen comentarios, se interesan por saber qué es o si las obras están a la venta,  y sube la afluencia de gente que pasa por allí.

 Quizás en ciudades más grandes estén más acostumbrados a este tipo de iniciativas, ¿está Vitoria preparada para proyectos como el vuestro?

Sobradamente preparada y animada. Vitoria, a pesar de ser una ciudad pequeña, es un hervidero de artistas, muchos han venido de fuera y también sienten las mismas inquietudes que los que somos de aquí. Además, los locales tienen ganas, si mezclamos todo ello y sabemos gestionarlo, la cosa va rodada.

Exposiciones, murales… ¿hay alguna actividad que tengáis especial interés en organizar?

A mí me encanta hacer propuestas colectivas, me gusta ver cómo los artistas me plantean sus propuestas o se ilusionan con lo que van a hacer, así que tengo una vaga idea de la siguiente grupal, tengo claro que quiero mostrar al público el proceso creativo, documentar el pensamiento de los artistas hasta que dan por finalizada una obra. Seguramente sea de menor escala que “ROJO”, pero igualmente interesante. También me encantan las colaboraciones, y tal vez podríamos hacer la decoración de algún bar, darle un estilo singular… no nos faltan ideas.

Rojo, xamoralarte

¿Cuáles serán vuestros proyectos durante los próximos meses?

La verdad es que se hace difícil organizar este tipo de cosas cuando no puedes dedicarle todo el tiempo, cada una de nosotras tiene su trabajo a parte de Xamoralarte, pero ya están programadas dos expos individuales en el Abisinia y el Baobab en noviembre, además en el Candela toca el “Subastarte”, donde se subasta la expuna iniciativa divertida que lleva haciendo este local hace varios años y a la que os invito.

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Las mejores cabeceras de series (II)

Anteriormente conocíamos nuestras primeras cabeceras de series favoritas en estos momentos. Ahora cerramos el círculo con estas cinco, series que aprovechamos por supuesto para recomendar desde aquí. Allá van:

Roma

Fringe

Broadwalk Empire

Seis metros bajo tierra

American Horror Story

Estas son las nuestras, pero también queremos saber, ¿cuáles son tus favoritas?

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El regreso de Soundgarden

La muerte de Kurt Cobain dinamitó el grunge en 1994, y fueron muchas las bandas de Seattle que comenzaron a navegar sin rumbo y a tener conflictos personales que hacían imposible su continuidad. Una de esas bandas fue Soundgarden. Después de muchas tensiones y de abandonar el grupo en 1997, Chris Cornell fue labrando varios proyectos en solitario y hasta se permitió el lujo de crear Audioslave junto a los miembros de Rage Against The Machine (menos Zach de la Rocha). Pero no fue el único, en este tiempo los demás componentes de la banda también llevaron caminos diferentes: Kim Thayil (guitarra) y Ben Shepherd (bajo) colaboraron en trabajos de menor renombre junto a cantantes como Mark Lanegan o Dave Grohl, y su batería Matt Cameron fichó a su vez por Pearl Jam, banda a la que ha pertenecido todos estos años. Aunque separados, en este tiempo se han producido reuniones esporádicas del grupo, pero siempre aseguraron que no se volverían a llamar Soundgarden hasta que no estuvieran todos juntos de nuevo.

soundgarden

Ese momento ha llegadoDesde que Chris Cornell anunciara en su twitter a principios de 2010 el regreso de la mítica banda, este otoño por fin conoceremos el último trabajo del cuarteto de Seattle, “King Animal”. Las palabras exactas del otrora ídolo de masas e icono grunge fueron: “La pausa de 12 años ha terminado y la vieja escuela vuelve a estar en activo. Los caballeros de la tabla de mezclas cabalgan de nuevo!”. El revuelo fue mayúsculo en redes sociales y medios de comunicación, la vuelta de una banda tan legendaria siempre es una gran noticia, y más si se trata de uno de los símbolos más significativos y mediáticos de la era grunge a finales de los 80 y principios de los 90. Hay que recordar que Soundgarden fue uno de los pilares del movimiento y el primero que centró los focos de la música alternativa en torno a la lluviosa ciudad de Seattle. Grabaron varios discos entre 1987 y 1996, de los cuales cabe destacar por encima de todos el oscuro “Superunknown” (1994), reportándoles fama mundial y con el que cosecharon dos premios Grammy por los sencillos “Black Hole Sun” y “Spoonman”. Este brillante disco supuso en cierto modo el principio del fin de la formación, y en los dos años siguientes las tensiones fueron creciendo hasta tal punto que Soundgarden acabaría por separarse en 1997, no sin antes haber dejado huella en la historia de la música alternativa.

Recientemente Billy Corgan, líder de Smashing Pumpkins, les ha acusado de volver solo por dinero y se limitó a condenar al grupo, alimentando un enfrentamiento presente entre ellos desde los primeros 90. Piques entre bandas al margen, lo cierto es que parecía imposible no hace mucho, pero el regreso de estos pioneros del grunge ya es un hecho. Hace unos meses conocíamos su primer tema después de su larga separación, fue compuesto para la película “Los Vengadores” y se trata de un exquisito aperitivo de lo que llegará este próximo 12 de noviembre, día en que verá la luz “King Animal”, primer disco de estudio de Soundgarden tras 15 años. Está coproducido por Adam Kasper y ya se puede escuchar su primer single, se titula “Been Away Too Long” y emociona como nunca volver a oír la sobrehumana voz de Chris Cornell, una de las mejores de la historia del rock.

Con más de 21 millones de discos vendidos y líder indiscutible del Sonido Seattle junto a Nirvana, Pearl Jam y Alice in Chains, el regreso de Soundgarden es uno de los más esperados de los últimos tiempos.  Cornell ya dejó claro que este trabajo no sería una vuelta a las raíces, sino una progresión natural en la dilatada carrera del grupo. De momento es una incógnita lo que escucharemos en “King Animal”, aunque a buen seguro mantendrán ese rock duro y depresivo que tanto les caracterizó. Sea como fuere, esperamos expectantes este nuevo álbum, que muy probablemente vendrá de la mano de una gira el año que viene y puede que con unos acompañantes de lujo, Pearl Jam. Esto último es simplemente un comentario que hizo hace poco Matt Cameron, y aunque no hay nada confirmado ni seguro, sólo la idea de una gira conjunta de estas dos míticas bandas pone la piel de gallina. Iremos esperando acontecimientos, pero lo que está claro es que es un buen momento para revivir esa época dorada del grunge y el rock alternativo que se hace ahora tan lejana tres lustros después.

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