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El paseo por el alambre de Billie Joe Armstrong

Hace un par de meses conocíamos una de las noticias más esperadas: la mítica banda punk-rock Green Day tocará en el Bilbao BBK Live en julio de 2013. Es una de las confirmaciones festivaleras más sonadas, todo concierto del grupo californiano es una fiesta musical para los asistentes, temas clásicos y pegadizos que son cantados al unísono por miles de personas. Aunque una gran duda nos asalta ahora mismo en torno a la banda, y más concretamente a Billie Joe Armstrong, su carismático líder y vocalista cuyo delicado estado de salud preocupa a compañeros, representantes, discográfica y fans del grupo, que no son pocos en todo el planeta. Todo explotó en el iHeart Festival de Las Vegas en septiembre. Mientras tocaban “Basket Case”, Billie Joe fue avisado de que sólo les quedaba un minuto de actuación y tenían que dar paso de manera inminente al siguiente artista, Usher. Billie paró de tocar y gritó al público cabreado: Yo no soy Justin Bieber, estoy aquí desde 1988, déjenme enseñarles que puedo hacer en un minuto. Todo tipo de insultos y juramentos salieron de su boca y acto seguido perdió el control y reventó su guitarra, a lo que Mike Dirnt le acompañó destrozando su bajo. Una imagen ciertamente lamentable que ya hemos podido ver en ocasiones en otras bandas, pero no por ello deja de ser una actitud bochornosa y una falta de respeto hacia sus seguidores.

Todo este desafortunado episodio fue la gota que colmó el vaso y Billie Joe Armstrong ingresó automáticamente en una clínica de rehabilitación, quedando apartado de los escenarios y la vida pública. No es la primera vez que el frontman de Green Day tiene problemas con las drogas, ya tuvo que desintoxicarse hace años y esta vez ha vuelto a caer en el peor momento, en plena promoción de su nueva trilogía de discos y dejando una gira pendiente para el año que viene que depende completamente de la evolución del controvertido cantante. El grupo pidió disculpas y prometió que los médicos harían todo lo posible para verle de vuelta cuanto antes.

Billie Joe Armstrong Green Day

El grupo de Oakland es, junto a Depeche Mode y Kings of Leon, la principal baza de la próxima edición del festival bilbaíno. A Green Day la fama le precede, estamos hablando de un icono musical de los últimos 20 años. Ellos capitanearon la segunda ola punk más importante -la que se dio en los años 80 y 90- junto a bandas míticas también californianas como Offspring, Blink 182 o NOFX. Todos ellos se atrevieron a adaptar el clásico punk setentero a tiempos más modernos pero bajo el mismo dogma de utilizar canciones cortas, estribillos pegadizos y un sonido muy guitarrero. En el caso de Green Day, su música es comparable a la de otros grupos bandera del movimiento -Ramones, Sex Pistols, The Clash o Buzzcocks- y presenta claras influencias de  The Beatles, Bob Dylan y Queen. Además, una de sus inspiraciones más fuertes es Bad Religion, iconos y casi precursores del punk rock.

Siempre ha habido diferencias a la hora de calificar y etiquetar a una banda como Green Day, acusada más de una vez de ser demasiado comercial y echar al traste los principios del punk. En mi opinión es una vara muy difícil de medir, la música cambió mucho en 20 años y la aparición de medios masivos como la MTV propició que este tipo de bandas llegaran a una cantidad de gente mucho mayor. Billie Joe Armstrong siempre ha sido un activista muy influyente, vivía y vive preocupado por la realidad social y política de nuestros días y desde el principio ha utilizado siempre letras reivindicativas para transmitir su lenguaje. El alto nivel de protesta destacaba por encima de todo y sus temas se convirtieron en una crítica generalizada a los valores y la sociedad del siglo XX.

Tras dos primeros discos de gran calidad y firmados por un sello independiente, el éxito mundial lo obtuvieron  con “Dookie”, tercer álbum de los californianos y un clásico de los años 90, gracias al cual obtuvieron un Grammy. Es el trabajo más vendido de Green Day hasta la fecha con la friolera de 16 millones de copias en todo el mundo y sus tres singles -“Longview”, “Basket Case”, y “When I Come Around”- se convirtieron en himnos intergeneracionales. En 1994, Green Day irrumpió de lleno en el mainstream y comenzó a girar por grandes festivales. Quizá una de sus mayores anécdotas ocurrió en Woodstock, dónde el grupo provocó una increíble guerra de barro y tuvo que huir en helicóptero. La banda también era invitada a conciertos benéficos, y en una ocasión en el Madison Square Garden Billie Joe apareció en el escenario desnudo y cubriéndose tan sólo con una guitarra. Siempre ha sido un personaje peculiar y problemático y en algunos conciertos le ha faltado tiempo para lanzarse al público y liarse a puñetazos con los asistentes.

Después de unos años de descanso y éxito más moderado, en 1997 publicaron “Nimrod”, uno de sus mejores trabajos aunque menos popular que esa obra maestra del punk moderno llamada ‘Dookie’. Era un giro conceptual a su carrera, experimentaron con un sonido más maduro pero la recepción no fue la esperada por crítica y público, a pesar de tratarse de un gran disco. Uno de los temas más conocidos de este álbum es “Good Riddance (Time of Your Life)”, una balada acústica que fusiona las duras guitarras y los redobles de batería con arreglos orquestales y violines. Al año siguiente llegó el melancólico ‘Warning’, otro intento de volver a la cima pero que supuso un fracaso rotundo con el tiempo. Es el álbum menos vendido de la banda y un claro estancamiento en su carrera, a pesar de que seguían obteniendo reconocimientos y galardones.

Ya en 2003, después de un periodo de reflexión, discusiones e incluso el robo de unos temas que acababan de grabar, volvieron a la primera línea musical con “American Idiot”, una sátira demoledora que sacude el sistema norteamericano con furia, empezando por el propio título del álbum. Esta ópera punk -así lo llamaba Billie Joe- tenía un claro mensaje antibélico y criticaba con dureza a los gobernantes y al presidente norteamericano por aquel entonces, George W. Bush. Aquella fue la reactivación del grupo tras un descanso necesario para replantearse su música y lo cierto es que consiguieron su objetivo, la crítica les encumbró de nuevo y sus temas volvieron a brillar con luz propia en el panorama musical de principios de siglo. Nuevamente cosecharon infinidad de premios y Green Day se tomó otro descanso, esta vez de varios años.

En 2009 llegó “21st Century Breakdown”, otra ópera punk menos exitosa que su predecesora pero con un mensaje igualmente claro y rotundo. Esta vez hablan de los problemas personales, religiosos e incluso del desvanecimiento del sueño americano. Tanto  “21st Century Breakdown” como “American Idiot” cosecharon un Grammy a mejor álbum de rock y este último incluso gestó un musical. Ahora, en este otoño que acaba de terminar, han vuelto para volver a golpear al mundo con su música. La trilogía “¡Uno!, ¡Dos!, ¡Tré!” es descrita por el propio Armstrong como una fiesta que iremos conociendo poco a poco. La tercera parte estaba prevista que viera la luz en enero, pero debido a la cancelación de parte de la gira los fans hemos sido compensados y ya se puede escuchar la trilogía al completo. Esta saga lleva de la mano un documental, “Quatro”, que se estrenará pronto.

Green day

Green Day se ha ido reinventando con los años con más o menos éxito, y aunque ha llegado a ser calificada de banda pop comercial ha querido mantener su esencia punk, que podrá gustar o no, pero es palpable. Realmente, puede que ni siquiera el punk rock siga siendo un género musical activo, las infinitas variantes de su sonido han dejado al descubierto grupos y tendencias difíciles de clasificar. A estas alturas, sólo falta por saber que ocurrirá con el flamante líder de la banda californiana, si se rehabilitará y si volverá a cantar, y por supuesto cuando será. Se hablaba de enero como fecha para volver a los escenarios y continuar la gira, pero todo dependerá de su evolución. La incertidumbre que rodea al cantante es otro capítulo más en la historia de un grupo que siempre ha dado que hablar, sobre todo con sus temas. Ya lo decía el propio Billie Joe Armstrong: la música puede cambiar a la gente.

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Live Lounge, el rincón acústico de la BBC

The Live Lounge es un espacio del primer canal de la radio nacional británica dedicado a conciertos acústicos. En estas sesiones, los grupos exponen unos pocos temas de su repertorio y en una gran mayoría de los casos versionan temas de otras bandas.

Estos covers suelen diferir bastante de los originales, y de este modo ofrecen una perspectiva diferente que poco o nada tiene que ver con sus propios temas. Pero, de vez en cuando, entre tanta versión podemos encontrar auténticas obras de arte.

Por estos estudios británicos han pasado bandas de la talla de Muse, Coldplay, REM, Florence + The Machine o artistas como Adele, Paolo Nutini o Jack Johnson. En esta ocasión, dejaremos a un lado sus temas más conocidos y nos centraremos en esas pequeñas joyas que BBC Live Lounge ha ido dejando a lo largo de estos últimos años.

Coldplay – We Found Love (Rihanna)

Precisamente, hace unos meses la banda británica interpretó a duo junto a Rihanna “Princess of China”, uno de los temas de su último álbum. Pero fue en su visita de octubre del pasado año cuando decidieron versionar uno de los temas más bailables (y bailados) de la de Barbados. Lo cierto, es que poco o nada queda de la canción original en esta versión.

Ben Howard – Call Me Maybe (Carly Rae Jepsen)

A más de uno le costará reconocer el tema original en este caso, y es que Ben Howard tira de talento y guitarra para hacer una versión muy personal de “Call Me Maybe”, uno de los temas más radiados en las radiofórmulas en este 2012. ¿Qué hace un artísta como él con un tema como éste? Ni más ni menos que esta maravilla.

Lady Gaga – Viva la Vida (Coldplay)

Segunda vez que Coldplay aparece en este post, pero esta vez son ellos los que han sido versionados, concretamente “Viva la Vida”. Ni más ni menos que la mismísima Lady Gaga fue quién se sentó al piano para tocar los acordes de uno de los temas (o himno, incluso) de la banda liderada por Chris Martin.

The Noisettes – When You Where Young  (The Killers)

Esta banda inglesa es una de las sensaciones en la escena indie de los últimos años. Capitaneada por la vocalista y bajista Shingai Shoniwa, aprovecharon su espacio en el estudio de la Radio 1 para interpretar un magnífico cover del clásico tema de The Killers. Otro punto de vista que duda cabe, pero que merece muchísimo la pena.

Florence + The Machine – Take Care (Drake feat. Rihanna)

El talento de Florence Welch es suficiente para que esta versión supere con creces al original, interpretado por Drake. Este tema es el más mágico de todos los que se han interpretado en estos estudios, y es que la artista británica es posiblemente la mejor voz femenina de Inglaterra y una de las mejores del mundo en la actualidad.

Snow Patrol –  Ray of light (Madonna)

La banda escocesa fue invitada al Live Lounge para celebrar el 75 aniversario de los míticos estudios Maida Vale de Londres. Aunque por lo general los grupos sólo interpretan un par de temas o tres, en esta ocasión Snow Patrol tuvo la suerte de tocar hasta cinco, incluyendo versiones de  Madonna, INXS y The Undertones.

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El Bilbao BBK Live 2013 toma forma

La banda británica Depeche Mode fue la primera en ser confirmada para una edición más del Bilbao BBK Live 2013, que como siempre se llevará a cabo en las campas de Kobetamendi entre el 11 y el 13 de julio. El enorme éxito cosechado en la edición de 2009 es una de las principales razones por las que Depeche Mode ha decidido volver a la capital vizcaína. El propio Andrew Fletcher -tercer miembro de la banda- ha reconocido que quedaron prendados de Bilbao y su vanguardista museo Guggenheim y no dudaron ni un momento en volver a desplegar su sonido en Kobetamendi.  La banda británica ofrecerá en exclusiva su directo en la jornada inaugural del festival y un día antes de la confirmación oficial ya se conocían las fechas de la gira, por lo que su comparecencia de nuevo en Bilbao estaba cantada.

Cartel BBK Live 2013

La formación electrónica liderada por Dave Gahan encabeza así un cartel al que pronto se incorporó otros grupo planetario, Green Day. Se confirmó el concierto del que se llevaba hablando un tiempo, y así va a ser a pesar del lamentable estado de salud actual de su carismático líder, Billie Joe Armstrong. Después de un ataque de ira y de dejar de tocar en mitad de un show en septiembre, el mánager y los médicos del grupo aconsejaron cancelar la gira hasta principios de año para que Armstrong pudiera recuperarse plenamente. Esta histórica banda nos dejó álbumes para el recuerdo y acercó el punk de los 70 a las generaciones más jóvenes.

El tercer cabeza de cartel serán los archipremiados Kings of Leon. La banda de Nashville ha roto todos los registros en los últimos tiempos, sobre todo a raíz de publicar su cuarto álbum, “Only by the Night”, que les reportó el disco de platino en doce países y tres Premios Grammy. En principio los hermanos Followill y su primo iban para predicadores evangelistas como su padre, pero pronto dejaron la Biblia para dedicarse a la música. Claramente ganamos todos con el cambio. No faltará tampoco en este BBK Live la revelación actual y uno de los grupos más aplaudidos en los festivales del último año, los norirlandeses Two Door Cinema Club, que prometen una fiesta musical incomparable y si siguen así en un futuro no muy lejano pueden llenar estadios. A todos ellos les acompañarán los también irlandeses Delorentos y el post punk de la banda de Birmingham Editors, aunque estos últimos se han labrado un estilo y un sonido propio y característico.

Pero no sólo de música internacional se nutre este importante festival, ya que también contará con bandas del panorama nacional. L.A., tras telonear hace dos veranos a Arcade Fire en la explanada del Guggenheim, regresa a la capital bilbaína con “Slnt flm”, su nuevo material.  La banda mallorquina, sin parar de girar tanto en Europa como en America, se postula como una de las bandas revelación de la próxima edición del Bilbao BBK Live. Pero, además, la cita bilbaína contará con algunas de las bandas de la tierra más conocidas fuera de nuestras fronteras como Delorean y We Are Standard. Ambas bandas aprovecharán para presentar en directo los temas de sus nuevos trabajo, previstos ambos para el próximo año. Dos buenos ocasiones para ver si ambos grupos mantienen el nivel de sus exitosos anteriores trabajos.

Como cada año, el Optimus Alive portugués ha sido el festival que ha marcado el camino de las confirmaciones para el BBK Live. Casi siempre suelen contar con carteles similares y ver las bandas confirmadas en uno y otro nos da pistas para saber por dónde van a ir los tiros en lo que a música en directo se refiere en el circuito festivalero del año que viene. La relevancia de ambos es clara, estamos hablando de posiblemente los dos mejores festivales del sur de Europa, consolidándose año a año y sólo ensombrecidos por el siempre extraordinario Primavera Sound y un FIB en aparente decadencia. Así pues, esta edición del Bilbao BBK Live está redondeando un magnífico cartel con bandas de talla y prestigio y estamos seguros que nuevamente va a ser un éxito. Faltan muchos meses aún, pero son estas noticias y ese constante run run festivalero lo que nos hace la espera más amena.

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El regreso de Soundgarden

La muerte de Kurt Cobain dinamitó el grunge en 1994, y fueron muchas las bandas de Seattle que comenzaron a navegar sin rumbo y a tener conflictos personales que hacían imposible su continuidad. Una de esas bandas fue Soundgarden. Después de muchas tensiones y de abandonar el grupo en 1997, Chris Cornell fue labrando varios proyectos en solitario y hasta se permitió el lujo de crear Audioslave junto a los miembros de Rage Against The Machine (menos Zach de la Rocha). Pero no fue el único, en este tiempo los demás componentes de la banda también llevaron caminos diferentes: Kim Thayil (guitarra) y Ben Shepherd (bajo) colaboraron en trabajos de menor renombre junto a cantantes como Mark Lanegan o Dave Grohl, y su batería Matt Cameron fichó a su vez por Pearl Jam, banda a la que ha pertenecido todos estos años. Aunque separados, en este tiempo se han producido reuniones esporádicas del grupo, pero siempre aseguraron que no se volverían a llamar Soundgarden hasta que no estuvieran todos juntos de nuevo.

soundgarden

Ese momento ha llegadoDesde que Chris Cornell anunciara en su twitter a principios de 2010 el regreso de la mítica banda, este otoño por fin conoceremos el último trabajo del cuarteto de Seattle, “King Animal”. Las palabras exactas del otrora ídolo de masas e icono grunge fueron: “La pausa de 12 años ha terminado y la vieja escuela vuelve a estar en activo. Los caballeros de la tabla de mezclas cabalgan de nuevo!”. El revuelo fue mayúsculo en redes sociales y medios de comunicación, la vuelta de una banda tan legendaria siempre es una gran noticia, y más si se trata de uno de los símbolos más significativos y mediáticos de la era grunge a finales de los 80 y principios de los 90. Hay que recordar que Soundgarden fue uno de los pilares del movimiento y el primero que centró los focos de la música alternativa en torno a la lluviosa ciudad de Seattle. Grabaron varios discos entre 1987 y 1996, de los cuales cabe destacar por encima de todos el oscuro “Superunknown” (1994), reportándoles fama mundial y con el que cosecharon dos premios Grammy por los sencillos “Black Hole Sun” y “Spoonman”. Este brillante disco supuso en cierto modo el principio del fin de la formación, y en los dos años siguientes las tensiones fueron creciendo hasta tal punto que Soundgarden acabaría por separarse en 1997, no sin antes haber dejado huella en la historia de la música alternativa.

Recientemente Billy Corgan, líder de Smashing Pumpkins, les ha acusado de volver solo por dinero y se limitó a condenar al grupo, alimentando un enfrentamiento presente entre ellos desde los primeros 90. Piques entre bandas al margen, lo cierto es que parecía imposible no hace mucho, pero el regreso de estos pioneros del grunge ya es un hecho. Hace unos meses conocíamos su primer tema después de su larga separación, fue compuesto para la película “Los Vengadores” y se trata de un exquisito aperitivo de lo que llegará este próximo 12 de noviembre, día en que verá la luz “King Animal”, primer disco de estudio de Soundgarden tras 15 años. Está coproducido por Adam Kasper y ya se puede escuchar su primer single, se titula “Been Away Too Long” y emociona como nunca volver a oír la sobrehumana voz de Chris Cornell, una de las mejores de la historia del rock.

Con más de 21 millones de discos vendidos y líder indiscutible del Sonido Seattle junto a Nirvana, Pearl Jam y Alice in Chains, el regreso de Soundgarden es uno de los más esperados de los últimos tiempos.  Cornell ya dejó claro que este trabajo no sería una vuelta a las raíces, sino una progresión natural en la dilatada carrera del grupo. De momento es una incógnita lo que escucharemos en “King Animal”, aunque a buen seguro mantendrán ese rock duro y depresivo que tanto les caracterizó. Sea como fuere, esperamos expectantes este nuevo álbum, que muy probablemente vendrá de la mano de una gira el año que viene y puede que con unos acompañantes de lujo, Pearl Jam. Esto último es simplemente un comentario que hizo hace poco Matt Cameron, y aunque no hay nada confirmado ni seguro, sólo la idea de una gira conjunta de estas dos míticas bandas pone la piel de gallina. Iremos esperando acontecimientos, pero lo que está claro es que es un buen momento para revivir esa época dorada del grunge y el rock alternativo que se hace ahora tan lejana tres lustros después.

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Canciones de Cine (II)

Si te supo a poco nuestro primer recopilatorio, aquí va otro puñado de bandas sonoras míticas de películas de Hollywood. Cerrad los ojos y preparaos para viajar al lejano Oeste, pasear por la Tierra Media o surcar los cielos de otra galaxia. Un recorrido fascinante por las más bellas melodías que ha dado el Séptimo Arte.

STAR WARS

Una de las canciones más famosas de la historia del cine, además de ser posiblemente la más utilizada. Compuesta por el todoterreno John Williams e interpretada por la Orquesta Sinfónica de Londres, se ha mantenido en todas las películas de la saga (primera y segunda trilogía) y es fruto de una variada mezcla de estilos. Esta archiconocida melodía ha servido para poner música en series, videojuegos, publicidad, etc.

EL SEÑOR DE LOS ANILLOS

Con la excepción de “Las dos torres”, segunda parte de la trilogía del director Peter Jackson, Howard Shore consiguió el Oscar por la primera y la tercera parte. Nunca “El Señor de los Anillos” habría sido lo mismo sin su soberbia banda sonora, creo que de eso no hay duda, y Shore ya ha afirmado que se encargará también de la música de “El Hobbit”, trilogía que verá la luz muy pronto.

LA VIDA ES BELLA

Bella, como la vida, es esta película y su banda sonora. Roberto Begnini quiso demostrar en esta hermosa cinta que por muy mal que vayan las cosas siempre hay un motivo para sonreír. Ese es también el cometido de su música. Alegre y triste a la vez y con un estilo netamente italiano, es obra de Nicola Piovani y se trata de una singular melodía que trascendió casi tanto o incluso más que la propia película.

EL BUENO, EL FEO Y EL MALO

Dupla memorable la que formaron Sergio Leone y Ennio Morricone a mediados de los 60 gracias al spaguetti western. “El Bueno, el Feo y el Malo” fue la tercera parte de una fantástica trilogía, y en esta ocasión Morricone empleó todo tipo de instrumentos para dar un estilo místico y de euforia acorde con la película, además de voces, silbidos y disparos. Uno de los temas más conocidos es “The Ecstasy of Gold”, famoso también por ser la primera canción que toca Metallica en sus directos.

CARROS DE FUEGO

En 1982 Vangelis firmó más que una banda sonora. Aquella historia sobre los atletas británicos preparándose para los Juegos Olímpicos de 1924 bien merecía una música a la altura de la cinta. Premiada con el Oscar, si hubiera que elegir la canción oficial de las Olimpiadas, o la que más represente ese espíritu olímpico sin duda sería esta.

ORIGEN

Antes que nada, recomendar esta brutal película de Christopher Nolan que te deja pegado al asiento  dándole vueltas a la cabeza una vez finalizada. Es una historia frenética y muy psicológica, acompañada como no por una colosal banda sonora firmada por uno de los mejores, Hans Zimmer, combinando de manera brillante percusión con sonidos electrónicos.

LA HISTORIA INTERMINABLE

Qué nostalgia nos transmite esta gran película, emocionante, tierna y familiar a partes iguales. Una obra maestra del género fantástico cuyo tema principal fue compuesto por Limahl expresamente para la ocasión y que se convirtió en superventas a mediados de los 80.

EL REY LEÓN

Puede que esta sea la mejor película de dibujos animados jamás filmada. No hay duda de que este taquillazo de Disney marcó a toda una generación y fuimos muchos los que crecimos con las aventuras de aquellos simpáticos leones. Ganó dos Oscar (precisamente los correspondientes a la música), Hanz Zimmer por la BSO y Elton John por la mejor canción. Maravillosa e inolvidable.

LA LISTA DE SCHINDLER

Emotiva cinta donde las haya, nuevamente la dupla Spierlberg – Williams hace historia gracias a una banda sonora emocionante y desgarradora. Una melodía sencilla y a la vez devastadora que apoyada en un precioso violín pone música a la terrible barbarie nazi de la que nos habla la película.  Envuelta en una cruel tristeza, esta impecable canción es la obra más profunda de John Williams.

TERMINATOR 2

Brad Fiedel fue el autor de esta electrónica banda sonora que compuso para la secuela de la célebre película protagonizada por Arnold Schwarzenegger, pionera en su género y con una gran repercusión mediática. Es una melodía ciertamente trascendental, y para ello Fiedel la dotó de un cariz apocalíptico que la convierte en poco menos que una obra maestra.

TITANIC

El de Titanic fue uno de los mayores taquillazos de la historia. Ganadora de once Oscars, solo “Ben-Hur” había logrado previamente la misma cantidad. James Horner consiguió la estatuilla a la mejor banda sonora, y “My Heart Will Go On”, escrita por el propio Horner e interpretada por Celine Dion recibió el premio a la mejor Canción Original. Esta banda sonora fue todo un éxito y actualmente es la más vendida de la historia con más de 30 millones de copias.

1492: LA CONQUISTA DEL PARAÍSO

Este largometraje basado en las aventuras de Cristobal Colón y el Descubrimiento de América nunca tuvo una gran aceptación por parte del público, pero curiosamente su banda sonora es una de las más memorables de la historia. Escrita por Vangelis, en un primer momento no fue valorada lo suficiente debido a la mediocre película, y ni tan siquiera obtuvo nominación para los Oscar, pero el tiempo le ha terminado dando la razón al compositor griego.

 

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Canciones de Cine (I)

La música es una de las facetas más importantes en el mundo del cine. Es un aspecto tan imprescindible y vital hasta el punto que muchas veces no concebiríamos una película sin su banda sonora, los largometrajes perderían su sentido y las historias puede que no fueran igual de emotivas sin una melodía a sus espaldas. Se trata de un estilo diferente y en su mayoría instrumental, capaz de transportarnos en cuestión de segundos al Imperio Romano, a una remota isla con dinosaurios o incluso a lomos de un DeLorean. Ennio Morricone, Hans Zimmer, John Williams, Howard Shore o James Horner son algunos de los compositores que han dado forma a estas obras maestras, muchas de ellas ganadoras del Oscar y otras que aunque no lo ganaron sin duda lo merecían.

Estas son para nosotros algunas de las BSO más míticas, una colección de recuerdos mágicos que nos emocionan como el primer día.

JURASSIC PARK

El genial John Williams puso música a esta mastodóntica historia dirigida por Steven Spierlberg y que supuso en su momento una revolución en el ámbito de los efectos especiales y sonoros. Este compositor está considerado el mejor de la historia y no es para menos, ya que acumula 45 nominaciones a los Oscar siendo premiado con la estatuilla en cinco ocasiones. Al igual que la película, está mítica banda sonora supuso un boom no conocido hasta entonces.

EL ÚLTIMO MOHICANO

Hay pocas bandas sonoras tan emocionantes y emotivas como esta. Apoyada en unos preciosos ritmos celtas, prescinde de ritmos barrocos y clásicos, lo que la hace diferente a las demás. Es un tema precioso y escuchándolo es inevitable acordarse de aquel peliculón protagonizado por Daniel Day Lewis.

LA MISIÓN

No hay duda de que la BSO de ‘La Misión’ es una de las piezas más grandiosas de la historia del cine. Esta joya sonora refleja a la perfección la variedad de culturas que se ven en la película, llegando a utilizar para ello corales litúrgicas, guitarra española y tambores nativos. Las 20 canciones que componen esta obra son de lo más impresionante que se le recuerda a Ennio Morricone y caben  destacar sobre todo dos temas más que redondos: “Falls” y “Gabriel’s Oboe”.

EL PADRINO

Pocas imágenes tan míticas como la de Vito Corleone apoltronado en el sillón de su casa recibiendo a los invitados a la boda de su hija. Creo que no hay duda de que El Padrino es una de las mejores películas jamás filmadas, y aunque su banda sonora no obtuvo el Oscar, se trata de una impecable melodía, que apoyada en un magnífico piano nos evoca tristeza y nostalgia, la misma que se vivía en aquellos tiempos de mafia, crímenes y venganzas.

PIRATAS DEL CARIBE

Épica en estado puro. La energía y la fuerza que desprenden cada uno de los temas que componen esta banda sonora es impresionante. Podríamos quedarnos con cualquiera pero “He’s a Pirate” es la canción principal de la primera película, y aunque algo corta, está dotada de una fuerza y una pasión instrumental increíble. Un tema que te pone las pilas.

INDIANA JONES

Otra obra cumbre del maestro John Williams. De hecho, puede que gran parte del éxito de esta famosa saga se deba a su música. Y es que hablamos de una composición mágica, llena de mística y que casa de manera impecable con las aventuras de este famoso arqueólogo encarnado por Harrison Ford. Se podría decir que este es uno de esos casos en los que la banda sonora ha llegado a ser casi más famosa que la propia película.

GLADIATOR

Hay opiniones para todos los gustos respecto a este soundtrack, una de las creaciones más conocidas de Hans Zimmer, pero lo cierto es que es obligatorio mencionarla por lo evocadora que es. La Antigua Roma nos aguarda mientras escuchamos la voz triste y melancólica de Lisa Gerrard en “Now We Are Free”, tema final de la película. Fuerza y Honor.

REGRESO AL FUTURO

Seguro que todos recordáis a aquel científico llamado Doc y ese automóvil que teletransportó a Michael J. Fox 30 años en el tiempo. Pues bien, esta trilogía, una de las más aclamadas de la historia y símbolo de toda una generación, se merecía una banda sonora a su altura. Cuántos recuerdos escuchándola, una de las pelis más míticas de los 80.

LA ROCA

Todos habremos visto este film unas cuantas veces, tantas que hemos llegado al punto de sabérnosla casi de memoria. Su trama envuelta en una constante espiral de acción en torno a la Prisión de Alcatraz la hace enormemente entretenida, a lo que sin duda también ayuda su banda sonora. Compuesta por Hans Zimmer, cuenta con una fuerza bestial y una potencia arrolladora.

BRAVEHEART

Música celta, epica y romanticismo se cruzan en esta bella banda sonora evocando a la perfección las historias que se plasman en esta cinta. Las imágenes del héroe William Wallace defendiendo su Escocia natal multiplican su emotividad gracias a la música acuñada por James Horner. Sin duda es una obra maestra y puede que sea el mejor trabajo de este compositor.

REQUIEM FOR A DREAM

Clint Mansell es el ártifice de este conmovedor tema que sobrecoge desde la primera escucha. Al igual que la peli, tiene un trasfondo psicológico importante y  tiene un tono enormemente impactante, con violines estridentes y una melodía que puede llegar a ser algo violenta por momentos. Una banda sonora dura para una película dura.

PULP FICTION 

Asociar música y cine y dejar fuera a Quentin Tarantino sería injusto. Gamberro e inteligente a la vez, pocos directores saben usar la música en sus películas tan bien como él. Especialista en rescatar canciones perdidas u olvidadas (lo mismo hace con ciertos actores) y convertirlas en iconos, una de las más conocidas es ésta. La guitarra surfera de Nick Dale quedó ligada para siempre a la mejor creación de Quentin, Pulp Fiction.

Estas son sólo algunas, próximamente más…

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Nuevos discos para escuchar este otoño (III)

No Doubt

Después de una década de silencio vuelve No Doubt con un disco presumiblemente muy trabajado. Este álbum estaba previsto que viera la luz el año pasado pero lo retrasaron finalmente para asegurarse de que fuera el mejor disco posible. Gwen Stefani parece seguir en plena forma después de unos años en solitario y recientemente ha declarado que nunca más se volverán a separar. 

Hola a todo el mundo

El próximo 9 de octubre verá la luz Ultraviolet Catastrophe, el nuevo álbum de Hola a todo el mundo. El cambio en su sonido, mucho más cercano a la electrónica, es más que notable, tal y como se aprecia en They won´t let me grow, el tema que la banda ha escogido como primer single de su segundo trabajo, que será publicado bajo el paraguas de Mushroom Pillow.

Bob Dylan

Un nuevo disco de Bob Dylan siempre es un acontecimiento. Después de una sensacional carrera de medio siglo publica Tempest, su álbum número 35. Al margen de recientes patinazos y directos ciertamente lamentables, pocos son los que como él han ascendido al olimpo musical y cultural.  Bob tiene un sillón reservado junto a los más grandes del rock de todos los tiempos.

Green Day

El de Green Day es uno de los regresos más esperados y al mismo tiempo que más dudas suscita. Los reinventores del punk vuelve con una trilogía, ¡Uno!, ¡Dos! y ¡Tré! se llamará. De momento su primer single –Oh Love- suena realmente bien y nos llena la cabeza de recuerdos y melodías de una banda que marcó a toda una generación.

Nelly Furtado

Este nuevo CD de la estrella canadiense es el primero interpretado íntegramente en inglés desde el exitoso Loose en 2006, ganador de varios discos de platino. Nelly Furtado quiere volver a la senda del triunfo y para ello se ha rodeado de prestigiosos colaboradores (el productor de hip hop Salaam Remi y el afamado DJ Tiësto entre otros) que otorgan una variedad de estilos única a este trabajo.

Band of Horses

Mirage Rock es el título del cuarto trabajo de la banda originaria de Seattle. Y para presentarlo Band of Horses ha escogido Knock Knock como primer sencillo de once canciones, más un bonus track, con un sonido mucho más maduro y producidos por Glyn Johns, encargado de trabajos de Bob Dylan y The Who.

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Nuevos discos para escuchar este otoño (II)

Muse

Después de verles tocar Survival en la Clausura de los Juegos Olímpicos y presentar el single Madness, todavía tendremos que esperar hasta octubre para disfrutar de The 2nd Law, nuevo trabajo de uno de los mejores grupos de rock del momento, Muse. Matt Bellamy calificó su sonido como dubstep, por lo que se espera un giro musical más que notable con respecto a sus primeros discos. En breve arrancaran gira europea y recalarán el 20 de octubre en Madrid. 

Arizona Baby

Aunque siguen en activo con Corizonas, banda surgida gracias a la unión con sus inseparables Los Coronas; Arizona Baby lanzá The Truth, the Whole Truth and Nothing but the Truth, su nuevo EP. Los vallisoletanos presentarán durante los próximos meses estos cinco nuevos temas que sirven como aperitivo para su tercer disco, cuya publicación está prevista para 2013.

Two Door Cinema Club

Con la difícil tarea de superar un exitoso primer álbum como fue Tourist HistoryTwo Door Cinema Club acaba de publicar Beacon con el que mantienen intactos los ritmos de su debut. El disco está en la calle, pero ¿lograrán el mismo éxito que tuvieron con temas como I can talk o Something good can work?

The Script

Ya está disponible el tercer trabajo de esta banda irlandesa, #3. El single se titula Hall of Fame, suena de maravilla y cuenta con la colaboración de Will.i.am, compañero de jurado de Danny O’Donoghue en la edición británica de “The Voice”. Se trata de un disco más rockero que los anteriores y una apuesta por un cambio de aires en la banda de Dublín.

Alanis Morrisette

La cantante y compositora canadiense acaba de publicar Havoc and bright lights, su séptimo álbum de estudio y grabado en Los Ángeles. Alanis Morrisette ha roto sus cuatro años de silencio con Guardian, tema escogido como primer single de sus doce nuevas canciones que abandonan los ritmos sombrios de su anterior trabajo.

The Noisettes

Tres años han sido los que hemos tenido que esperar para poder escuchar Contact, el nuevo material del duo londinense. The Noisettes dejó el listón muy alto con Wild young hearts, su anterior trabajo. Catorce nuevos temas que ya podemos, por fin, escuchar y de los cuales Winner y That girl fueron puestos en bandeja como aperitivo durante estos últimos meses.

Continuará…

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Nuevos discos para escuchar este otoño (I)

“Huele a nuevo, como los libros del colegio cuando empieza…”  Como cantaba Zahara en “Olor a mandarinas”,  los discos que llegan a estas alturas del año huelen, precisamente, a eso: a nuevo.

Grupos míticos que no deberían haber tardado en volver como The Killers o No Doubt, esperados nuevos trabajos en la escena nacional como el de Hola a todo el mundo o Álex Ferreira o la vuelta de estrellas del pop como Robbie Williams o Nelly Furtado. ¿Por dónde empezamos?

The Killers

Tras un ligero parón y varios proyectos en solitario,  Brandon Flowers y su banda vuelven a la escena con Battle Born, un disco espectacular que no dejará indiferente a nadie. Su primer single Runaways lleva tiempo sonando y apunta a himno, dejando claras las intenciones del grupo de Las Vegas en este nuevo trabajo. Estamos ante uno de los discos más esperados del año.  

Cat Power

Seis años hemos tenido que esperar para poder escuchar las once canciones de Sun, el nuevo trabajo de Cat Power. Se ha tomado su tiempo, pero Ruin, primer single, demuestra a la perfección cuál es el rumbo que ha querido tomar en su noveno trabajo discográfico. Otra de las sorpresas de este nuevo álbum es Nothing but time, dueto grabado con Iggy Pop.

The xx

Coexist. Así ha titulado la aclamada banda inglesa su nuevo trabajo. La deliciosa y melancólica Angels, donde la voz de Romy ha tenido más protagonismo que nunca, ha sido la carta de presentación del segundo material de The xx, once canciones que demuestran la evolución del sonido de la banda.

Álex Ferreira

El segundo disco del dominicano se ha hecho esperar, pero El afán verá la luz el próximo 2 de octubre. Álex Ferreira se aferra a ritmos más pausados y un sonido más tropical, y se aleja de lo rockero en su nuevo trabajo, como se aprecia en Me pierdo contigo, para cuyo vídeo contó con la mágica Zahara en la dirección.

Robbie Williams

En noviembre verá la luz Take the Crown, noveno disco del que fuera miembro de Take That. Precisamente junto a Gary Barlow, ex compañero suyo en aquella exitosa banda, ha escrito Candy, single que ya podemos disfrutar a día de hoy. El propio Robbie Williams ha calificado este álbum como el más sólido de su carrera. Veremos.

Mumford & Sons

El cuarteto británico ha bautizado su nuevo trabajo como Babel. Grabado junto a Markus Dravs, productor de bandas como Arcade Fire o Coldplay, Mumford & Sons ha presentado I will wait como single de presentación de su segundo álbum. Parte de estos nuevos temas se pudieron escuchar en su concierto del Bilbao BBK Live 2012. A la venta a partir de las 25 de septiembre.

Continuará…

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‘Muse 360’ y ‘The 2nd Law’, una nueva forma de vender música

Rock sinfónico, dubstep y jazz son los ingredientes que Matt Bellamy ha cocinado en este nuevo trabajo y que está siendo presentado de una forma innovadora y acorde a los tiempos que corren. La aplicación “Muse 360” lanzada por Warner Music Group y ya disponible en la App Store de Apple supone un hito a la hora de vender y comercializar música. Primeramente a través de ella se podrá disfrutar gratuitamente, desde cinco cámaras diferentes y bajo una vista global de 360 grados de su actuación correspondiente al décimo aniversario de Origin Of Symetry en el Festival de Reading. Además de poder controlar el show uno mismo también incluirá fotos del mismo concierto y un contenido extra, de tal forma que será posible descargar todas las canciones por separado o bien comprar el paquete de vídeos con un descuento.

app muse 360

Esta nueva y sencilla técnica de marketing es una curiosa forma de “enganchar” a la gente y ya está abriendo el camino a bandas que sacarán disco próximamente. Cada vez va a ser más habitual encontrar más aplicaciones similares de grupos musicales en la tiendas virtuales. La era digitalizada y global a través de Internet está enterrando fenómenos míticos como los CD´s y DVD´s. Actualmente es más usual reproducir música mediante Spotify, Goear o StereoMood que introduciendo un disco compacto en el ordenador o minicadena, al igual que es más cómodo descargar música por iTunes que ir a una tienda de discos. Todo esto ha hecho que las grandes discográficas hayan reparado en este fenómeno y sin ir más lejos U2 ya ha contratado a la compañía Blitz para crear una aplicación digital y presentar su nuevo trabajo en 2013.

Volviendo a Muse y a su nuevo trabajo, recientemente se ha dado a conocer su primer single, acompañado del vídeo oficial. Se trata de “Madness“, un adelanto que deja entrever el estilo de este psicodélico disco, alejado de melodías pop-rock y más centrado en la electrónica. Muse parece haber dejado atrás ese rock alternativo de sus primeros trabajos y la banda de Matt Bellamy, Dominic Howard y Chris Wolstenholme coquetea esta vez con estilos como el jazz, el rap, el metal y el llamado “dubstep“, un género nacido a finales de los 90 en Inglaterra con carácter underground y que se extendió al resto del mundo en años posteriores gracias a DJ´s, importantes productores y artistas como Snoop Dog, Rihanna e incluso Britney Spears. Este pirotécnico género pertenece a la familia de estilos “Drum and Bass” y se apoya fundamentalmente en secuenciadores y sintetizadores. Bellamy también ha declarado recientemente que “The 2nd Law” está fuertemente influenciado por U2 y su aclamado “Achtung Baby”.

Es de sobra conocido el buen directo y la repercusión e influencia internacional que ha tenido Muse en la última década, pero además y por si no eran ya lo suficientemente conocidos, fueron los encargados de componer la canción oficial de los Juegos Olímpicos de Londres y actuaron en la Ceremonia de Clausura. “Survival” será el quinto tema de su nuevo disco y a decir verdad no me parece un hit que resalte las virtudes de Muse, más bien es un tema algo simplón, aunque con la fuerza suficiente para apreciar que va de menos a más. Por momentos incluso llega a recordar a otra ilustre banda británica, Queen.

‘The 2nd Law’ saldrá a la venta en octubre y será su sexto disco. Con él, llegará una gira de 26 conciertos este otoño entre los que estará el directo del 20 de octubre en el Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid. Hay mucha expectación por ver como queda finalmente este nuevo trabajo de la banda británica y por suerte lo podremos ir desgranando desde cualquier lugar a través de nuestro teléfono móvil. Una nueva forma de vivir la música, un eslabón más en esta era digital y global donde todo es cada vez más accesible.

muse coachella

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